Мастер-класс

Как оживить трекерную музыку

EstEps — 2000

Введение

Несомненно, что задача любого композитора-аранжировщика — возможно более достоверно донести до слушателя идею своего произведения. Что касается электронной музыки, то здесь все понятно — на первый план зачастую выходит экспериментальное начало; но музыка живая, которую многие пытаются имитировать в своих композициях, требует отдельного подхода. В своих статьях на тему "Как оживить трекерную музыку" я попытаюсь как связать воедино разрозненные данные и мнения по аранжировке "живой" музыки, так и дополнить их своими знаниями и наблюдениями на эту тему. В общих чертах, речь пойдет о:

• Выразительных средствах музыкального языка;
  
• Форме музыкальных произведений;
  
• Логике построения
  
• Технике композиции, в т.ч. и современной
  
• Стилизации "живой" музыки;
  
• Психоакустике;
  
• Звучании живых инструментов.

Для того, чтобы читателям было легче представить, о чем идет речь, я порой буду давать ссылки на примеры. В качестве примеров я буду чаще всего использовать крошечные заархивированные S3M-файлы (как понимаемые всеми трекерами), иногда без внедренных сэмплов для экономии места — от вас будет требоваться только загрузить в нужные слоты один или несколько взаимно отстроенных сэмплов. Во всех остальных случаях я буду выкладывать файлы в формате IT (прошу прощения у поклонников Fast Tacker'a, вам, очевидно, придется использовать конвертор).

Тем не менее, для начала мне хотелось бы прийти к определенной терминологии и одновременно напомнить основы музыкальной теории для того, чтобы в дальнейшем ни у кого не возникали вопросы "А о чем, собственно, тут написано?". Поэтому...

Элементарная теория музыки

В простейшем случае, любое музыкальное произведение состоит из мелодии и гармонической поддержки (гармонии). По определению, мелодией называется музыкальная мысль, выраженная одноголосно. Мелодия разделяется на минимальные логические отрезки — фразы, из которых строятся предложения; предложения являются кирпичиками более крупных построений, о которых речь пойдет позже. Пример (скачать — 4 Kb):

В лесу родилась елочка,
В лесу она росла,
Зимой и летом стройная,
Зеленая была.

Музыка известная. Попробуйте ее пропеть про себя. "В лесу родилась елочка" — это фраза, так как на меньшее число логических единиц ее разделить нельзя — теряется всякий смысл. Соответственно, остальные строчки куплета тоже составляют по фразе. Почему я не назвал фразой больший кусочек? Во-первых, между концом первой строчки и началом второй смело можно взять дыхание; во-вторых, по звучанию первая строчка уже кажется законченной. Фраза — очень важная структурная единица, к которой я буду обращаться еще не раз в дальнейшем, поэтому ее осмысление действительно необходимо.

Гармония — несколько более сложная штука. Для работы с ней требуется обязательное музыкальное образование хотя бы на начальном уровне; тем же, кто его по какой-то причине не имеет и не хочет получить, главное знать, что каждое произведение пишется в определенной тональности, внутри который встречаются устойчивые и неустойчивые созвучия. Устойчивость определяется на слух по принципу "стремится к чему-то или нет". Если вы чувствуете, что гармония кажется незавершенной, то перед вами, скорее всего, неустойчивое созвучие. Обратите внимание на гармоническую поддержку в первом примере. Она прописана по определенным законам классической гармонии (хотя в конце я сделал небольшую ошибку, музыкантам с образованием предлагаю ее найти).

Полифония — особая техника композиции, при которой отсутствует специально выписываемая гармония, вместо этого мелодия, видоизменяясь, звучит в нескольких голосах с определенным смещением относительно друг друга (пример 2 — 4 Kb).

Я еще вернусь к описанию формы и структуры музыкального произведения в дальнейшем, а теперь мне хотелось бы заострить внимание на том, без чего немыслима ни одна композиция — на звуке.

Звук характеризуется тремя величинами: высотой, динамикой и тембром. Высота звука определяет ту ноту, на которой он звучит; звуки, имеющие выраженную высоту, называются музыкальными и могут входить в состав мелодии или гармонии; все прочие звуки называются шумовыми. Пример музыкального звука: голос, фортепиано, флейта. Пример шумового звука: ветер, тарелки на ударной установке, белый шум.

Динамика — иначе, громкость звука. Чем она сильнее, тем ярче слышен звук. Обратите внимание, что в нашем примере "В лесу родилась елочка" я умышленно снизил громкость гармонической поддержки для того, чтобы вывести на передний план мелодию; в полифоническом примере я сделал тот голос, который на данный момент не является ведущим, немного тише. Каждый звук в динамическом плане характеризуется определенными фазами — атакой, задержкой и спадом, которые составляют огибающую (да-да, ту самую огибающую, которой все сейчас пользуются).

Тембр — достаточно сложное понятие, которое объясняет наличие и взаимное расположение обертонов в звуке. Простейший пример — программы типа ReBirth, в которых генератор сначала образует звуковую волну простой формы (например, пилообразной), которая затем модулируется обертонами таким образом, что мы получаем "окрашенный" звук, который при одних и тех же высоте и динамике может принимать разное звучание.

Один из способов изменения тембра — частотная фильтрация звука. ФНЧ (High Pass Filter) — фильтр низких частот, при помощи которого частично или полностью уничтожается составляющая звука, расположенная в пределе от 10 до 1000 герц. ФВЧ (Low Pass Filter) — фильтр высоких частот, работающий аналогично ФНЧ в пределах от 5000 герц и выше. Основными способами частотной фильтрации звука являются либо подавление всех частот ниже или выше указанной частоты по определенному частотному графику, либо вырезание/сохранение какого-то узкого отрезка частот. В последнее время все чаще и чаще можно услышать композиции в формате Impulse Tracker, авторы которых используют MMX-фильтрацию — низкочастотный фильтр (а в готовящемся к выходу IT3 подобных фильтров будет, очевидно, несколько). Этот вопрос я также буду рассматривать в дальнейшем.

Редко используемое понятие — акустическое давление звука. Оно относится к такой науке, как психоакустика — учение о том, как мозг обрабатывает звуковой сигнал. Акустическое давление звука показывает не абсолютную, а относительную громкость звука — ну, например, при одинаковой громкости (по показаниям приборов) вы по-разному оцените, скажем, резкий звук зубоврачебного сверла и теплый тембр кларнета. Знание психоакустики очень помогает при создании сложных аранжировок, позволяя обходить ряд ограничений.

Положение звуков в пространстве — их панорама — в большей степени тоже относится к психоакустике. Например, нет смысла давать низкому басу какое-то определенное положение, человеческое ухо все равно не в силах отследить его источник. То же самое касается очень высоких звуков с определенной тембровой окраской. Во всех остальных случаях расположение инструментов вполне отчетливо различается человеком. В дальнейшем мы рассмотрим панорамы, характерные для определенных случаев — например, симфонический оркестр, джаз-банд или хор.

Last, but not least ("наконец, но не на самый" — да простят мне столь вольный перевод истинные знатоки английского) — это окружение звука, или "комната". Не секрет, что в реальной жизни звуки имеют склонность отражаться от стен и прочих неодушевленных предметов, равно как и поглощаться вышеперечисленными объектами (да и людьми, причем не только через уши). Очень важно знать или хотя бы примерно представлять себе то помещение, в котором "исполняется" ваша композиция. Несмотря на то, что трекер пока дает очень скудные возможности для редакции (в IT3 можно будет спокойно использовать DirectX — plugin'ы), определенного результата вполне можно достигнуть уже сейчас.

Выразительные средства музыкального языка

Трекер накладывает на музыканта, который с ним работает, ряд жестких ограничений. Прежде всего, это четкий темп, который жестко задается в самом начале работы над произведением — и большинством трекерщиков, как ни прискорбно, не меняется с течением музыки вообще. Далее, размер (т.е. количество сильных долей в такте) — сама структура паттерна по умолчанию подразумевает, что композитор будет пользоваться размерами 2/4 или 4/4. Как правильно заметил Manwe/SandS, трекер позволяет обойти это ограничение визуально, но не все этим пользуются — лишь у нескольких музыкантов я слышал 7/8 и 3/4. К счастью, ограничение на количество каналов уже практически отсутствует. В этой части статьи речь пойдет о том, какими средствами можно обойти как вышеназванные, так и некоторые другие условности, связанные прежде всего с толкованием трекера как инструмента для написания исключительно электронной музыки.

Динамическое развитие

Под динамикой в теории музыки понимается, как уже упоминалось, громкость звука. В процессе развития музыкальной мысли динамические оттенки играют немаловажную роль.

Теория музыки определяет следующие основные термины для определения динамики: p (piano, пиано) — тихо, pp (pianissimo, пианиссимо) — очень тихо, mp (mezzo piano, меццо пиано) — не очень тихо, mf (mezzo forte, меццо форте) — не очень громко, f (forte, форте) — громко, ff (fortissimo, фортиссимо) — очень громко, dim (diminuendo, диминуэндо) — постепенно затихая, cresc (crescendo, крещендо) — постепенно увеличивая громкость.

Трекер предоставляет очень удобные возможности для управления динамикой: колонка громкости (volume column) для установки громкости конкретного звука, команды скольжения громкости (volume slide) для создания эффекта постепенного увеличения/уменьшения громкости (crescendo/diminuendo), команды изменения общей громкости (global volume) для общего изменения динамики, огибающие (evenlope) для программирования общих правил изменения громкости инструмента. Соответственно, динамика может изменяться как для одного/нескольких каналов, представляющих один инструмент, так и для всех каналов. Вот некоторые способы динамического развития:

• * Внутри фразы (аналогично ударению на какой-то слог или слово в человеческой речи);
  
• Внутри крупного построения (выделение динамикой какой-либо отдельной фразы);
  
• Плавное изменение динамики (crescendo или diminuendo) — помогает нагнетать напряжение или, напротив, успокаивать звучание;
  
• * Общий фейд (fade): "вползание" музыки или, напротив, ее постепенное затухание (например, в самом конце);
  
• Создание контрастных элементов в музыке (сопоставление различных образов или частей через ярко выраженную динамическую границу — первый образ тихо, второй — сразу громко или наоборот);
  
• * Разделение темы и сопровождения (тема, т.е. мелодия, практически всегда должна быть на переднем плане).

Темповое развитие

Темп — величина, показывающая, насколько быстро или медленно исполняется произведение. В теории музыки существуют определенные основные термины для обозначения темпа и его изменения: largo (ларго, широко) — самый медленный темп, adagio (адажио, спокойно) — медленно, andante (анданте, в ритме шага) — спокойно, allegro (аллегро, весело) — быстро, presto (престо, скоро) — очень быстро, piu mosso (пиу моссо, более оживленно) — скорее, meno mosso (мено моссо, менее оживленно) — медленнее, rit (ritenuto, ритенуто) — постепенно замедляя.

Для изменения темпа в трекере можно пользоваться тремя основными способами: командой скольжения темпа (tempo slide) для постепенной смены темпа, командой изменения темпа (set tempo) для мгновенной смены темпа и командой задержки ноты/паттерна (note/pattern delay) для приостановки движения музыки. Учтите, что в ряде трекеров имеется еще такая величина, как скорость (speed) — она показывает, сколько единичных отсчетов (frames или ticks) приходится на один ряд паттерна. По умолчанию эта величина обычно равна 6, и я рекомендую использовать либо ее, либо кратные 3 величины для того, чтобы темп произведения соответствовал или был кратным общепринятым величинам. Это может пригодиться при сведении tracker+MIDI.

Вот некоторые способы темпового развития:

• * Агогика — небольшие отклонения от темпа в процессе исполнения музыкального произведения. Используется, чтобы придать "движение" фразе.
  
• Изменение темпа для развития образа (часто используется одновременно с изменением динамики, но не всегда) — ускорение нагнетает напряжение, замедление успокаивает;
  
• * Общее замедление под конец большой части или всего произведения — классическая традиция, очень хорошо звучит в качестве утверждения финального звука/аккорда;
  
• Сопоставление контрастных образов/частей (аналогично динамике);
  
• Создание сложных смешанных размеров или сложных ритмических фигур (например, триолей, когда на одну четверть вместо двух восьмых приходятся три, равномерно распределенные).
  
• (по совету Manwe/SandS) Создание свинга — постоянного смещения темпа по отношению к сильной доле (темп как бы "гуляет").

Мелодическое развитие

Несомненно то, что ведущая роль в формировании музыкальной мысли принадлежит мелодии, о которой я уже упоминал в предыдущей части статьи. Пожалуй, самым затруднительным для многих композиторов является именно написание хорошей, запоминающейся мелодии, которая, к тому же, несла бы в себе определенный эмоциональный заряд, призванный донести до слушателя содержание произведения. Как уже упоминалось, мелодия легко делится на фразы — такие части, которые можно отделить друг от друга цезурой, или как бы дыханием. Естественно, это касается и инструментальной музыки — достаточно представить, что вы поете свою мелодию. О том, как именно можно писать мелодию, речь пойдет чуть позже, а пока — несколько общих рекомендаций по возможностям ее разработки:

• Изменение регистра (перенос мелодии на октаву выше или ниже либо же передача ее другому инструменту);
  
• Создание подголоска (как бы второй мелодической линии, звучащей одновременно с основной мелодией, но прописанной другими нотами);
  
• * Использование нескольких мелодических тем (для формирования разных образов);
  
• Употребление альтерированных звуков (т.е. таких звуков, которые не входят в основной звукоряд выбранной вами тональности, если, конечно, вы пишете тональную музыку :));
  
• * Комбинация скачков и плавного голосоведения (плавное голосоведение — это когда между двумя соседними нотами мелодии расстояние не больше полутора-двух тонов, т.е. терции; скачки — все, что больше этого расстояния);
  
• Использование ритмических вариаций (см. ниже);
  
• * Выбор направления голосоведения для формирования смыслового развития (если мелодия идет вверх, напряжение нагнетается и наоборот; может использоваться вместе с вышеперечисленными динамическими и темповыми способами развития).

Ритмическое развитие

Под ритмическим развитием подразумевается варьирование ритмических фигур, т.е. комбинаций длинных и коротких нот. Напомню, что основными длительностями являются (в порядке уменьшения): целая, половинная, четверть, восьмая, шестнадцатая, тридцать вторая. Реже используются бревис (равен двум целым) и мелкие длительности (1/64 и короче). Если о длительности говорят, что она "с точкой" (т.е. "четверть с точкой"), то, следовательно, она звучит в полтора раза длиннее. Отмечу, что в трекере, в отличие от MIDI, трудно сказать сразу, какая нота является четвертью, а какая — восьмой, ибо размер такта (т.е. структурной единицы музыки от одного сильного ударения до следующего; в такте в зависимости от размера может быть 4/4, 3/4, 7/8 и т.п.) не привязан жестко к длине паттерна и может быть равен как 1/8, так и всему паттерну. Поэтому условимся для среднего темпа (90-140, spd=6) четвертью считать звук, тянущийся между каждыми 8 рядами.

Вот способы ритмического развития:

• * Использование сложных ритмических рисунков: пунктир (четверть с точкой + восьмая), синкопа (восьмая + четверть с точкой), триоль (3 восьмые на 1 четверть), квинтоль (5 восьмых на 1 четверть) и т.п.;
  
• Сжатие/разрядка ритма (при прежнем темпе и сопровождении мелодия звучит в 2 раза быстрее или медленнее);
  
• * Смещение фразы или мотива (кусочка фразы) в паттерне относительно предыдущего проведения (вносит разнообразие);
  
• * Использование разных длительностей для формирования образа (длинные ноты создают спокойный, скорбный, созерцательный образ, короткие — яркий, быстрый, острый) — может использоваться вместе с динамическим, темповым и мелодическим развитием для усиления/ослабления напряжения.
  
• * Использование пауз (они помогают разделять фразы и более крупные построения, вносят разнообразие в мелодию, используются для имитации некоторых живых инструментов);
  
• Создание вариаций (т.е. нескольких вариантов одной и той же темы, различающихся незначительно в плане ритма, мелодии, фактуры и пр.).

Тембровое развитие

Тембр позволяет отличить звучание одного инструмента от других. Использование разных тембров вносит в аранжировку определенное разнообразие, дает возможность для гибкого создания образа. Трекер изначально задумывался как многотембровая программа; он предоставляет богатые возможности для работы с сэмплами и инструментами. При написании музыки важно следить за тем, чтобы баланс голосов был соблюден, иначе возникает опасность либо завалить произведение в область низких частот, лишив его "полетности", либо убрать ту базу, на которой держится вся гармония (т.е. убрать бас). Перечислю несколько способов тембрального развития:

• * Формирование образов — если использовать "живые" инструменты, то по их звучанию можно довольно легко определить, какой из них что символизирует. Это и теплый тембр кларнета, и пасторальный звук гобоя, и полный внутренних переживаний скрипичный тембр, и грандиозный, торжественный орган. Электронные музыкальные инструменты тоже можно использовать для формирования образа исходя из их звучания;
  
• Смешивание тембров (например, рояль+струнные) — помогает создать необычные сочетания из взаимодополняющих инструментов;
  
• Изменение тембров за счет подмены инструментов — например, длинный пассаж, поочередно проходящий у низких валторн, фагота, кларнета, флейты и флейты-пикколо (самый высокий инструмент из перечисленных) — позволяет расширить диапазон пассажа (т.к. один инструмент его не смог бы сыграть) и внести логическое развитие в произведение;
  
• Создание вариаций (см. выше);
  
• Придание определенной атмосферы произведению (например, slap bass очень хорошо оттеняет все современные направления джаза; блюз почти немыслим без саксофона и т.д.);
  
• * Введение дополнительных тембров для усиления кульминаци.

Все отмеченные звездочкой "*" способы сведены в пример (IT, 80 Kb — скачать). Перечисление выразительных средств я продолжу в следующей части.

Я очень благодарен всем откликнувшимся на первую часть статьи — особо хочу отметить критические замечания Manwe//SandS и Cyberworm//IQ, которые помогли мне организовать дальнейшую работу. Комментарии и предложения высылайте по адресу esteps@mail.ru

Вернуться в раздел